Emile Hirsch som Speed Racer.Warner Bros. hei fresh v blått forkle
Odd Ducks kommer til å være en pågående kolonne som ser tilbake på misforståtte mesterverk, velmenende katastrofer og filmer så rare at du ikke kan tro at de eksisterer. Noen ganger kan de til og med være alle tre på en gang.
Speed Racer kom ut for 10 år siden i dag, og jeg er ganske sikker på at jeg ikke har holdt kjeft om det siden. Men med god grunn. Jeg tror det er en av de mest kriminelle oversettede filmene i nyere tid og også en av de mest merkelig inspirerende. Selv om jeg vet at det er andre fans som er helt enige i dette superlativet, går ideen i strid med den konvensjonelle visdommen rundt filmens utgivelse.
Kommer ut av suksessen uten sidestykke Matrisen filmer (selv med den underbakte reaksjonen på Matrise: Revolusjoner ), var fansen så begeistret for Wachowski-søskenens neste filmstrip til noe nytt. Og det skulle bli Speed Racer ! En oppdatering av den elskede 60-tallet anime som mange hadde vokst opp med! Det antydet at det ville være elektrifiserende, matriksaktige biljakter! Frenetisk handling! Alt fra de to filmskaperne som hadde kommet for å definere den nye alvorlige kule rumpepiken! Hurra!
Men for de som elsket den lærkledde voksenprisen fra deres forrige arbeid, hadde de ingen anelse om hva de skulle gjøre med denne myke, neonbløte biten av konfekt som ble solgt til dem. Og det gjorde heller ikke publikum. Speed Racer bombet, og det bombet hardt. Og som et resultat kom mange for å avvise filmen uten å ha sett den. Eller verre, de som så det, hadde ganske enkelt ingen anelse om hva de skulle gjøre med det.
Noe som er uheldig.
Men å virkelig komme ombord med Speed Racer, du må godta dens varierte intensjoner. Starter med det faktum at ja, dette er virkelig en ekte-blå PG barnefilm. På grunn av det vil det være unapologetisk tåpelig, over toppen og fremtredende ha apekatter. Videre må du akseptere at det kommer til å vie seg til forestillingen om å være en live-action-tegneserie, en som stadig unngår realisme til fordel for en hyperstilisert, lys estetikk så langt borte fra Matrisen som jeg kan tenke meg.
Mange hevdet at filmens estetikk eksisterte i den uhyggelige dalen (som antyder humanoide gjenstander som nesten, men ikke akkurat, ser ut som virkelige mennesker, og som fremkaller uhyggelige eller underlig kjente følelser av uhyggelighet og avsky hos observatører). Men for meg fungerer det nettopp fordi det ikke engang prøver på mellomtiden. I stedet prøver den noe nærmere menneskene-i-toon-rommet Hvem innrammet Roger Rabbit .
Samtidig må du akseptere at denne PG-barnefilmen til tider også vil være utrolig seriøs: et to-timers-og-femten minutters epos som fordyper seg i kronglete plot-linjer av mystiske identiteter, bedriftens hvite krageintriger, tull plott falske outs, en overraskende mengde våpenvold og til og med en merkelig klimaksopprør om aksjekursmanipulering. Og hele tiden må du akseptere at innenfor dette vil den emosjonelle ryggraden i filmen være en overraskende sunn utstilling av familiekjærlighet, forståelse og samvær. 
Christina Ricci, Emile Hirsch, Roger Allam, Paulie Litt, Susan Sarandon og John Goodman i Speed Racer. Warner Bros.
Ja, alt dette eksisterer innenfor Speed Racer . Og tonemessig mener jeg det når jeg sier at det er en av de rareste filmene jeg noensinne har sett i hele mitt liv. (Det er også et bevis på trøbbel som mye anime og ikke-naturalistisk japansk historiefortelling har når det gjelder tilpasning.) Og så får jeg hvorfor det er vanskelig for folk å svelge, det gjør jeg virkelig.
Men det vi egentlig snakker om er push-pull av toneskiftende filmskaping, hvor jeg vil argumentere til jeg er blå i ansiktet om at entalltoner er blindveier for eventyrlig historiefortelling. For eksempel elsker jeg arbeidet til Christopher Nolan, men hvis du bare lager en hel film i en unik tone, lyver du på en måte bare for publikum. Fra start til slutt føles Nolans filmer fremdrivende, voksne og helt seriøse - selv om de, du vet, ikke er det på det dypere tekstnivået i et øyeblikk. Men alt dette er en del av den følelsesmessige kodingen for publikum og i tjeneste for sluttmålet: det får dem til å føle seg seriøse også . Alt fordi det validerer deres interesser som like alvorlige.
Dette er grunnen til at så mange av de som liker enestående toner, har problemer med arbeidet til noen som Sam Raimi. Jeg hører folk kommentere at filmene hans er for corny hele tiden; det ordvalget er både talende og bisarrt. For mens filmene til Raimi kan være tøffe og over toppen, er de også mørkt, oppriktige og fulle av følelser. Så veldig kornet er bare kode for: dette var ofte tullete og jeg liker ikke filmer som får meg til å føle at interessene mine er tøffe. Som ironisk nok synes jeg er en utrolig ung holdning - en som ikke prøver å være voksen. Det prøver å pynte barnets interesser til å virke voksne, når virkelig voksen alder bare ruller med slagene og omfavner ting for hva de egentlig er.
Evnen til å rulle med slag og følge en film inn i forskjellige emosjonelle riker, spesielt tøffe i alvorlige fortellinger, er evnen til ikke å ta deg selv for alvorlig. Det er evnen til å være voksen og rulle inn i alle slags følelsestilstander, ikke bare de vi tror vi vil være i. Til det punktet, Speed Racer krever i utgangspunktet at du ruller med slagene på et ganske ekstremt nivå. Ja, dumheten føles tullete. Men hvis du aksepterer det, er faren også farlig. Og ja, det episke løpet over ørkenen fortsetter for lenge, men når det gjøres, føles det virkelig episk.
Filmen er alltid seg selv. Spesielt når den glir frem og tilbake mellom dramatisk og komisk vekt med den blåsende forsikringen om ren operaglede, alt mens du lever og puster hvert øyeblikk oppriktig. Og hva ellers ville en 11-åringers feber drømme om våpenbaserte racerbiler, ninja-kamper og familiesamvær, men vondt oppriktig? 
Emile Hirsch inn Speed Racer. Warner Bros.
Selv den mye ballyhooed aksjekursen er inspirert: det er de poenget med filmens lasermålrettede meldinger. Mens så mange barnefilmer skildrer etikken til skurk som noe bart snurrende redskap for ondskap og ondskap alene, Speed Racer har modet til å fortelle deg at ondskapen i verden er langt mer verdslig (og lukrativ). Men som en note som aksjemarkedsforeningen føles (som Roger Allam gir en deilig uforvirret forestilling), er selve budskapet ikke noe reduktivt estimat av kunst og kommersialisme. Gitt bokstavelig talt alt annet om Speed og familiens virksomhet, Speed Racer argumenterer for at det ikke er noe galt med suksess, fandom og forbindelse mellom de to. Det er ganske enkelt å påpeke at ethvert system som setter den minste bit av penger og kapitalismens evige maskin over helligheten til denne forbindelsen, bare vil klare å bryte den samme forbindelsen.
Det kan virke for voksen for en barnefilm, men jeg tror den er inspirert, spesielt ettersom barna er mye smartere enn du tror (spesielt når du ikke snakker ned til dem og stoler på at de skal håndtere ting). Så hvis du kjøper denne oppfatningen, og hvis du kjøper familiedramaet som har ført Speed til det siste løpet, så kommer det hele sammen tematisk til en av de mest elektriske, abstrakte og følelsesmessige avslutningene jeg kan tenke meg - en som helt bekrefter at vi er så mye mer enn noe eneste øyeblikk, men produktet av alle som hjalp til med å få oss dit underveis. Jeg gråter hver jævla gang jeg ser det.
Og plassert i den slutten er den større metafortellingen av Wachowskis hele karrieren, deres kjernetema hvis du vil: forestillingen om egen identitet og å bli ditt beste selv. Jeg skal innrømme at jeg ofte har mye problemer med skjebnebegrepet i moderne historiefortelling, nettopp fordi jeg ser mye uansvarlighet knyttet til det. Det som pleide å være en gigantisk metafor for hubris, har dessverre blitt kortvarig ønskeoppfyllelse for å tro at du er spesialhelt i universet, en holdning som ofte stinker av mange utilsiktede uber-mensch-vibber.
Men innenfor Speed Racer , metaforen til racerbilføreren dobler med kunstner, eller hvilken som helst annen barndomsdrøm - de slags drømmer som må festes til, og jages etter, med gledelig glede for å bringe disse drømmene til liv. Mer enn det, vinner metaforen så mye innenfor konteksten av Wachowskis personlige liv, som vi nå kan se på så mye av deres arbeid i trans-meldingslandskapet - til det punktet at mye av deres arbeid nå har glidd inn i fulltekst metaforer av trans identitetsskift, som med Cloud Atlas og Følelse 8 . I det synes jeg arbeidet deres er det mektigste. Ved å gjenvinne skjebnen og heltenes reise tar de alt fra deg, er bestemt til å være bedre enn alle andre, og gjør det i stedet for at du blir den du alltid var, mens du oppdaget empati hos alle rundt deg. Dette er nettopp den typen kjærlige, kjennetegnende meldinger som mange for-kule-for-skolen-folk vil øye på, men det er ingen tvil om at Wachowskis 'ankomst til denne alvor er både hardt og hardt vunnet. 
Nicholas Elia som ung Speed Racer.Warner Bros.
Alt dette er ikke å si at jeg ikke er klar over motsetningene i deres arbeid, spesielt innenfor fangsten 22 av voldelig forherligelse mot antivold. Men innenfor kinoets hyperspråk blir volden deres bare en del av den operatiske smertefulle oppriktigheten.
Men jeg forstår at mange mennesker ikke er sikre på hva de skal gjøre med den smertefulle oppriktigheten til det hele. Jeg husker hvor mange som så Jupiter Stigende og gjorde narr av Eddie Radmaynes virkelig gonzo-forestilling, men jeg føler at han var den eneste som virkelig visste hvilken film han var i . Han presset det ikke for langt; alle andres plastisitet holdt det merkelig tilbake. Jeg elsker ham virkelig i den filmen. Visst, ytelsen kan være for corny og få deg til å føle deg rar, men det er nettopp den slags rare som åpner verden opp og gjennomsyrer den med liv og verve.
Kanskje rart og skurrende er akkurat det vi trenger. For, i en filmverden full av nøye strukturert misfornøyelse, er Wachowskis fortsatt de mest lidenskapelige, knusende og ubekymrede filmskapere vi har. Og i den reisen med selvoppdagelse er det den rare blandingen av gee-golly oppriktighet av Speed Racer det er både eksemplarisk (og markerer overgangspunktet for) hele karrieren.
Som bare gir meg ett spørsmål: hvorfor, i en karriere full av identitetsspørsmål, systematisk undertrykkelse og selvskap, er deres mest eksemplariske film om budskapet om familiens utholdenhet og samvær? I sannhet vet jeg ikke hvordan deres forhold er til deres større kjernefamilie, og det har heller ikke noe å si. Det vi vet, og alltid har kjent, er hvem Lana og Lilly Wachowski er for hverandre: venner, samarbeidspartnere, søstre. De elsker en bokstavelig familie som vi noen gang har sett på kino. Og innenfor kunsten deres har de fortalt oss om sin spesifikke, kraftige opplevelse på den mest universelle og kommersielle filmatiske måten.
I godt over ti år nå har de fortalt oss ved å skyte, hugge, rocke, skrike, synge, kle seg, tulle, foredrag, goofing, le og alt og alt i mellom. Mange kaster ofte øynene over en slik naken og inderlig dristighet. For corny, sier de ut av munnen. Men slik forakt er en del av smertene ved å være ren i hjertet.
Og egentlig er de gledene.
< 3 HULK
