Devendra Banhart, la det opp.Foto: Wikimedia Commons Det er denne tingen som skjer på fester til en kunstner som jobber på tvers av disipliner. Hva gjør du? blir uunngåelig spurt på storslått, champagnefluktgripende måte, og alltid i entall. Det er en antagelse at selv om kunstneren jobber i forskjellige medier, er alle disse delene av den samme historien.
Ikke det, fortalte Devendra Banhart meg i fjor sommer da vi satt på en Tribeca kaffebar og riflet gjennom sidene i den da nye salongbordboken og samlet albumverkene hans og andre innsamlede visuelle verk, I Left My Noodle on Ramen Street . Banharts eget kunstverk kan pryde omslagene på albumene hans, men når det gjelder å få hendene skitne, til det nisse, til prosessen, oppfyller hans visuelle og lydkomposisjoner i stor grad forskjellige behov. [Min] doble fortelling handler om at de to fagene eksisterer sammen, men sjelden fletter sammen, fortalte han meg, og på et tidspunkt gjorde de det.
Kanskje Banhart var prescient - hans mellomnavn, Obi, antyder sikkert at han har slike Jedi-krefter, og folk kan ikke få nok av noen når de er oppkalt etter en Stjerne krigen karakter - men i fjor sommer meislet han allerede på Ape i rosa marmor, den niende utgivelsen under navnet hans og hans hittil mest sammenhengende musiksamling. Det er ute neste uke Nonesuch Records .
Spar til to sanger, Ape ‘S en bestemt myk utflukt, like deler dyster og surrealistisk. Med hjelp fra Noah Georgeson og Joe Steinbrick, troppen som hjalp 2013 Dårlig fange noen av de sparsomme, lo-fi perfeksjon av hans tidligste innspillinger, har Banhart laget noen nydelige nye soniske arkitekturer. Ape ’Løs fortelling utspiller seg på et gammelt, ikke navngitt japansk hotell, der samba og bossanova leker i lobbyen og en aldrende, koselig fyr prøver å forføre en ganske ung ting med en bolle med frukt.
Jeg har vært embargo på å beskrive kunst som fødsel.
Banhart og jeg tok igjen for noen uker siden, da hans nysgjerrighet og ekte interesse for mitt eget arbeid fikk meg til å innse hvor mye folk projiserer seg inn i musikken hans. Tenk på andre halvdel av albumet, når de meditative orientalske synth-arpeggiene til Mourners Dance-kanal Angelo Badalamentis Twin Peaks tema og den nydelige Linda finner Banhart personifisere en drivende, ensom kvinne som knapt kan slippe ordene å synge ved sangens slutt. Projiseringen min på den buen, at sangeren jobbet gjennom en viss tyngde, kan ha vært sant, men til slutt mislyktes jeg i min antagelse om å innse at ikke alle lager musikk til et helligdom for noe. Ikke alle nærmer seg sin kreative prosess med ting å trene.
Det er effektiviteten Banhart bygger i sin billedkunst, fortalte han meg da vi apet den over telefonen. Musikken hans er i mellomtiden mindre en renset eksternalisering og mer en utforming av lydiske og tematiske arketyper, som han tar tid å sitte med. I den lobbyen, uten polariserende etiketter, kan den titulære apen være primitiv og utviklet seg, drittslynge og staselig. Derfor, Ape tillot Banhart å lage noe som han, med sine ord, kunne gjenvinne uten å prøve å tolke.
[youtube https://www.youtube.com/watch?v=czOOpMBaM_4]
Gratulerer til deg med dette enorme arbeidet du gjør deg klar til å avdekke. Hvordan føler du deg? Er det som å føde, eller å hugge en ape ut av stein?
Mange av vennene mine har hatt barn, og jeg har hatt omfattende samtaler med dem angående de uhyggelige detaljene ved fødsel. Siden da har jeg sluttet helt [med] å beskrive noe annet enn å lage en baby som fødsel.
Skrekkene i prosessen har blitt båret før deg?
Ja, alt blekner. Alt blekner. Den metaforen er bare ... å vite hva de har gått gjennom, det kan du bare beskriver selvfølgelig, ikke å kunne oppleve det engang, jeg har vært embargo på å beskrive kunst som fødsel.
Rett på.
Men jeg er spent, jeg er glad for at det er gjort, og jeg føler meg nå klar til å bare gå videre til neste ting, samtidig. Jeg er glade for å dele det, selvfølgelig, men for meg begynner jeg vanligvis, og faktisk konsekvent, over tid å identifisere mønstre. En uke før jeg er ferdig med platen jeg jobber med på den tiden, vet jeg at platen er ferdig fordi jeg er klar - jeg venter utålmodig på at den skal gjøres slik at jeg kan jobbe med den neste. Og jeg vet at det skjer fordi jeg skal begynne prosessen med å skrive. Dette er for å daglig samle ideer for sanger, enten i form av bare tekster - linjer, avsnitt eller sider - eller faktiske beskrivelser av sanger, en bestemt arkitektur jeg vil utforske, eller sjanger.
Det er sonen jeg er i nå . Det er et dumt svar fordi ingen vil høre at jeg bare vil lage en ny plate, og jeg bryr meg ikke om denne. Det er ikke engang den sannhet , men jeg antar at jeg skal si, som også er veldig ekte, at jeg er veldig spent på å spille plata. Jeg beklager hvor fryktelig dette intervjuet går.
[Begge ler]
Det du snakker om er en veldig naturlig kreativ ting, og kanskje hvorfor jeg strekker meg etter fødselsmetaforen, selv om den er urettferdig. Det er en rensing som skjer når du er ferdig med noe, og jeg vil ikke projisere min forståelse av denne musikken på deg, men det virker som om det er en enorm følelse av melankoli, spesielt på den andre siden. Jeg får følelsen av at sangeren jobber veldig mye med noe og kanskje får noe tungt ut av systemet deres. Mange ting som er veldig nært og personlig, er ikke noe du vil sitte med hele tiden ... det er derfor du forplikter deg til å spille inn, ikke sant? Å utdrive det?
Vel, jeg føler at du ... spiller du musikk? For det høres ut som en låtskriver som snakker om hva det er for dem. Jeg tror du projiserer litt, men det er fantastisk, jeg elsker å høre det, for det er faktisk annerledes for meg. Jeg kommer ikke på det fra den vinkelen, men det er fascinerende!
Ja, men jeg er veldig glad i denne ideen om lydarkitekturer som du nevnte, for de to vi hører på denne plata er mye brasiliansk musikk, spesielt samba og bossa, så litt japansk musikk. Koto er egentlig overalt her også, og den første personen du takker [i rutelinjene] er Yukika Matsayuma, så jeg vet ikke. Jeg tenkte på det punktet i historien da mange japanere immigrerte til Brasil og begynte å spille skytshelgen til tropicália og mye av den mer avantgarde musikken som ble laget, og slå sammen kulturer. Var det en bevisst nikk på dette, bare to av tingene du hørte mye på, eller hva?
Jeg ville høres veldig ut kul hvis jeg sa, fyr, selvfølgelig , åpenbart . Du la merke til det, jeg er glad du fikk tak i det! Men jeg hadde ikke opprettet den forbindelsen før akkurat nå. [Ler]
Jeg tror hele denne plata burde hete ‘ Trying and Failing to Tune a Koto ’ .
Det er det jeg er her for, ingen bekymringer!
Det er det du er her for ... og føl deg fri til å endre alt jeg nettopp sa til helt! Men det er fascinerende å høre at fordi du har rett, er de største bosetningene eller de japanske samfunnene utenfor Japan, de største i verden, i Brasil. Rodrigo [Amarante] som spiller på plata og er i bandet og er en av mine kjære venner, han vokste opp i Brasil, og det er slik jeg vet om det samfunnet. Han har besøkt den, det har han vært mange ganger.
Men jeg hadde egentlig ikke laget sammenhengen mellom hvordan denne platen absolutt er påvirket av latinamerikansk musikk generelt, men spesielt brasiliansk musikk, samba og bossanova. Og spesielt sanger som Theme For a Taiwanese Woman, som er rett opp samba. Men med de asiatiske eller orientalske, østlige lydene fra koto som produserer urfolk, hadde jeg ikke laget denne forbindelsen. Jeg tror hele denne plata skal kalles Prøver og mislykkes i å stille inn en Koto . Jeg tror det var en år , vi alle spilte det, og vi skjønte alle at vi er det super arrogant.
Vi begynte å snakke om platen og tenke, la oss lage en type estetisk mal som vi kan måle sangene mot, eller se om vi kan kle sangene på en måte som de vil være i harmoni med den malen, den malen er denne imaginært hotell i denne fjerne prefekturen i Tokyo, hvor det bare er en falmet gammel bred og denne typen rufsete, gamle salte hundebrukt selger som er den eneste gjesten, som har vært der de siste 10 årene -
The Fancy Man of title.
Nøyaktig. Fancy Man, Fig in Leather, det er tegnene på det hotellet. Men med posten handler det estetisk ikke om fortellingen så mye. Disse sangene, ja, de faller inn i den fortellingen, men generelt estetisk av det, den produksjon slutten på det - passer sangene, ville de blitt spilt i denne lobbyen? Koto var det åpenbare [valget]. OK, vi må bruke en koto, la oss leie en koto! Det er derfor [hun] er den første personen jeg takker, personen som leide oss en koto. Hun er en koto-spiller og vi spilte henne ikke inn, vi leide bare kotoen fra henne og tenkte at vi er gitarister, vi er musikere, det er enkelt!
Hvor feil du hadde.
Hvordan feil vi mothafuckin ’var! Jeg våkner veldig tidlig, og jeg stiller inn kotoen til Noah og Joe kommer, så hjelper de meg faktisk still det inn, og resten av dagen prøver vi å oversette veldig enkle gitarpartier til kotoen. Det er ikke lett å skaffe seg et instrument som du ikke vet hvordan du skal spille for å gjøre det du vil at det skal gjøre.
Det er noe så amerikansk og vakkert med det.
Helt sikkert.
Det er den oppriktigste form for smiger, du spiller de brasilianske tingene og de japanske greiene. Her er dette barnet, Devendra, et flerkulturelt barn, og han har på seg disse store, veldig rike kulturelle sjangrene, men det er ikke respektløst. Du har på deg skinnene deres for å fortelle din egen historie, for å skape scene på en måte.
Du er så morsom, herregud, mann!
Så blir det å være inne! Men du nevnte fortelling, og jeg er glad for at du gjorde det, for noen ganger tror jeg at jeg tar opp en, og det er en annen projeksjon. Jeg vet at Joe og Noah var med på å skrive de to morsomste, Zappa-like slags sangene om mannen på hotellet, Fig og Fancy, men så tar platen en sving til et mye mer meditativt og dystert sted. Hvordan analyserer jeg det? Det skvetter ikke, men det er interessant, og virker som det er noen intensjon der fra din side.
Det var vår måte å ta en pust i, antar jeg. Hmm, det er et interessant spørsmål. Jeg er glad for at denne platen, i motsetning til alle platene tidligere, ikke er så overalt. Det opprettholder en bestemt, vel, vi kan si stemning, vi kan si fortelling, vi kan si en bestemt tone, mer konsistent enn jeg har klart å gjøre tidligere. Jeg føler at alt er så relativt og subjektivt, og denne posten i forhold til de andre flyter virkelig i dette ene, rolige havet.
Men i forhold til en mer fokusert plate, kaster det deg av å ha Fig in Leather og Fancy Man hoppe opp. Nå er ikke disse sangene super-aggressive, super-dansende sanger, men i forhold til resten av plata skiller de seg definitivt ut. De forstyrrer harmonien i plata. Det, på en merkelig måte, har vært min M.O. lenge. Dette er første gang det ikke er det som forstyrrende som det har vært tidligere.
[youtube https://www.youtube.com/watch?v=Md0000uSgOs]
Du fortalte meg i fjor at du mener at humor er et kraftig verktøy for å snakke om noe seriøst også. Du kan skrive noen sanger av som en dum karakter, men dette er også det mannlige egoets død til en viss grad. Du holder på med denne karakteren, denne fyren, og det føles som noe vi har snakket om før.
Jeg nærmet meg det spørsmålet via musikksjangeren, men ja, absolutt! Temaet i seg selv er akkurat som du sa, det mannlige egoet. Fyren i Fig in Leather er denne aldrende personen som prøver å forføre denne yngre personen med helt foreldet teknologi, og det er helt forgjeves. Det er virkelig en morsom karakter å leke med, og en jeg kan identifisere meg med. Og Fancy Man er også det, denne totalt naive, privilegerte, med tittelen jævla Ryan Lochte bro, bare driter over hele verden og løper gjennom den!
Duuuude .
Men det er et lite øyeblikk av transcendens i den sangen, når de til slutt skjønner at det ikke er noen verdi for det. Er dette en fancy tanke, jeg er ganske sikker på at det ikke er en slags innpakning av sangen, meningsløsheten med det, dette er alt Maya . Så det er en litt litt plass der, er personen ikke en Total drittsekk. De våkner litt på slutten av det.
Det er også apen, ikke sant? Hvis Ape i rosa marmor relaterer seg i det hele tatt til disse temaene, jeg tror jeg tenker på en ape og tenker på noe brutalt og uraffinert, mens rosa marmor er staselig og elegant, kanskje feminin. Jeg prøver å analysere det i sammenheng med disse sangene.
Ja, vel, jeg vet ikke hvorfor du snakker med meg! [Ler] Du vet, du vet det allerede!
All syren jeg gjorde på college.
[Ler] Vel, ja, det er helt riktig, og det er hva tittelen er på en måte, en referanse til den arketypen eller symbolet. I den andre forstand er det noe jeg vil gjenvinne fra å prøve å tolke. 
Devendra Banhart.Foto: Flickr Creative Commons / monophonicgirl
Kul! Er det noe av denne platen som i det hele tatt er selvbiografisk, en refleksjon over familien din eller livet ditt? Du tilegner posten til din biologiske far til slutt, og jeg vil ikke lirke for det er ikke min sak hvordan forholdet ditt til ham var, men det er bare noe jeg tenkte på med temaene tap i andre halvdel av rekorden.
Ja! I løpet av veldig kort tid mistet jeg noen veldig nære mennesker til meg. Noah Davis, Asa Ferry, Bill Berkson, min biologiske far Gary Banhart og Milos Kras. Jeg satte meg ikke ned og skrev en sang om dem, eller om den opplevelsen, men den sorgprosessen og den pågående prosessen informerte absolutt plata, enten jeg likte den eller ikke, og fusjonerte definitivt med hele albumet. Det er disse eksplisitte eller åpenbare tingene, som Mourner's Dance, men det ble ikke skrevet om den opplevelsen, det ble skrevet om å se en danseforestilling.
Men den ble informert av så mye død, fordi jeg har vært i fem minnesmerker. Jeg kom akkurat tilbake fra San Francisco og spilte Bill Berksons minnesmerke, og jeg lurte på hvordan det ville se ut å ha en koreografert dans ved et minnesmerke. Så det er en sang for det. Og jeg tror jeg hadde skrevet den sangen hvis jeg ikke hadde opplevd så mye tap, men å ha opplevd det tapet gjør det til noe jeg vet hvordan jeg skal skrive om, på en måte.
Du vet hvordan du skal skrive om prosess også, ja? Da jeg så deg på The Strand i fjor, tror jeg det var [angående] Oh Me, Oh My… kunstverk, og du snakket om hvordan fyren fra INXS gikk bort, og du ble overrasket over hvor mye det påvirket deg. Du jobbet gjennom det, og du fortsatte å tegne disse linjene. Du sa noe om hvordan prosessen med å tegne linjer igjen og igjen til du har et minnesmerke eller et helligdom. Det var noe med prosessen der jeg syntes var veldig interessant.
At effekten av den prosessen eksisterer i det visuelle domenet for meg. Jeg vet ikke om jeg har det på samme måte med låtskriving. Jeg vet bare at disse opplevelsene har sivet inn i albumet 100 prosent, ubevisst, og er helt en del av plata. Men akkurat nå er det eneste jeg til og med kan si er en reell manifestasjon av så mye tap, det faktum at den eneste virkelige handlingen, den eneste virkelige ting Jeg kan gjøre, er å fortelle menneskene jeg elsker at jeg elsker dem.
Bortsett fra det, sørger jeg bare. Jeg er egentlig bare så knust og lei meg, og jeg vender meg ikke til gitaren som vi snakket om tidligere. Mange henvender seg til musikk for å få denne tingen ut, og det gjør jeg ikke nødvendigvis.
Du sitter med den.
Men jeg henvender meg faktisk til kunst for det. Tegningen er faktisk mye nærmere det, hva det høres ut som prosessen din er med musikk. Det er den vakre delen om å lage kunst, den danser annerledes med forskjellige partnere.
Devendra Banharts Ape in Pink Marble er ute 09/23 på Nonesuch Records. Han spiller et albumutgivelsesprogram den dagen også på Rough Trade Brooklyn, som i skrivende stund er utsolgt.
