Cut to 1997. Jennifer Aniston, som en nevrotisk karrierejente på Manhattan som ikke kan skrive noe bedre enn nekrologer for New York Times , flyr til Pasadena med forloveden (Mark Ruffalo) for bryllupet til lillesøsteren (Mena Suvari) og blir gjennom en rekke overbevisende handlingsmanøvrer som er for konstruerte til å gå inn i, overbevist om at fru Robinson var hennes berusede, kjederøykende bestemor (alle vokst opp til å være Shirley MacLaine). Enda verre, hun tror at hennes egen mor, som døde da hun var 9, var gravid av den samme mannen (nå vokst opp til å være Kevin Costner, som ikke ser noe ut som Dustin Hoffman). Hun har ikke noe til felles med familien sin og hater Pasadena, så når hun får vite at moren hennes hadde en affære med Mr. Costner ni måneder før hun ble født, sender hun forloveden hjem og ser Mr. Costner opp og tenker at han er hennes far.
Hvem visste at han ville være så kjekk og rik og groovy og ha designerklær og eie sin egen vingård? Han flyr henne til huset sitt i Half Moon Bay, deretter til vinlandet Napa Valley og tilbake til San Francisco for en veldedighetsball; alt hun har er en ryggsekk, og det kommer et utrolig utvalg av kveldskjoler og nattklær. Før det er over, har Mr. Costner sovet med hver kvinne i familien hennes, noe som gjør fru Aniston til noe av en ludder. Han hevder at hun ikke kunne sove med sin egen far, fordi han har vært steril i 39 år på grunn av testikeltraumer levert av en keeper på fotballaget hans som sparket feil ball. Dette er vitsene, folkens, og de blir ikke bedre eller billigere.
Ingenting er eksternt troverdig her, spesielt de bitchy, motbydelige linjene de har gitt Shirley MacLaine som bestemor fra helvete (Kom inn, jeg tar på meg en pott med bourbon). Det er også det rystende synet av en søppel, platinablond Kathy Bates som en tante som blander Bloody Marys hele dagen og synger sanger fra Sør-Stillehavet . Det hele er ganske grusomt, og fru Aniston er så krampete og skremmende at hun ser ut til å gå gjennom overgangsalderen 20 år for tidlig.
Spill, kjærlighet
Hvis du vil se noe du kanskje har oversett uklokt i pandemonium ved utgangen av året, kan du dra rett mot Woody Allens strålende, fascinerende Match Point . Amerikanske kritikere som har vært mindre enn kjærlige mot Woody de siste årene, går over Match Point , mens europeere, som alltid genuflect og oversvømmer ham med priser, har vært mer lunken. Gå figur. Match Point er min favoritt Woody Allen-film siden Manhattan Murder Mystery , men jeg er uenig i sammenligninger med Hitchcock. Mer som Et sted i solen sett i London, hvis du spør meg, med Jonathan Rhys-Meyers (britiske Tom Cruise, bare en bedre skuespiller) i Montgomery Clift-rollen og Scarlett Johansson som stjal showet i Shelley Winters-delen, omskrevet som den eneste amerikanske karakteren i film - en løs, frilovende, forvirret Yank (Yankette?) som står mellom helten og hans plassering i det øverste sjiktet i det engelske samfunnet. Det er en film med stor ressurssterkhet, med en moral om hell og skjebne som er avslappende.
Mr. Rhys-Meyers spiller Chris Wilton, en operaelskende tennistrener på lager i en eksklusiv privat klubb, som blir venn med en rik klient ved navn Tom (Matthew Goode), og ormer seg inn i en koselig jobb med hjelp fra Toms foreldre ( Brian Cox og Penelope Wilton) og forbereder seg på å gifte seg med sjefens datter, Chloe (Emily Mortimer). Han er egentlig ikke en kad eller en grenser, men han er en fattig gutt fra Irland som er ny i London og ganske ambisiøs. Problemet er at i en helg i landet på gården til sine nye mentorer blir han seksuelt opphisset av Toms forlovede, Nola (Ivory-complexioned Ms. Johansson), en nevrotisk amerikansk skuespillerinne som har dårlig form for å bli gravid og komplisere ting uten ende i sikte. Nola er nøkkelen til sensuell ekstase; Chloe er den kjærlige og støttende jenta som kan åpne alle dørene for rikdom og suksess.
For en stund raser Chris dem begge, revet mellom det beste fra begge verdener. Men lykken begynner å endre seg når Nolas nag og Chloes trang til en egen familie fører ham til hensynsløs oppførsel. Han vil gjerne ha crumpets og spise dem også, men den eneste veien ut er drap.
Sex i Woodys filmer er vanligvis komisk til punktet for parodi. Her får vi imidlertid hele bananen (ingen ordspill ment), som forklarer den unge manns besettelse (den hedonistiske amerikaneren er villere i sengen enn den søte, men kjedelige briten) og skisserer hans emosjonelle dilemma. Poenget med filmen er at planen for å unnslippe går galt på grunn av bare en vri av uflaks. Det er som spinnet på et roulettehjul: Ett trekk mot høyre eller venstre, og du kan vinne eller tape alt du har investert. I Chris ’endelige løsning faller ballen faktisk på feil side av nettet. Derfor Match Point , et begrep i tennis som fungerer som tittelen på filmen.
Woody krysser Atlanterhavet for første gang, og gjør for London og det idylliske britiske landskapet det han alltid har gjort for Manhattan og Hamptons. Fra vaktbyttet på Buckingham Palace og de trendy kunstgalleriene på Themsen til poloponnier og rypejakt i Buckinghamshire, transporterer han deg til en annen verden, men det er like fortryllende som det gamle nabolaget hjemme. Du tar ikke feil Match Point som arbeidet til en britisk regissør: London er for luksuriøst, innbyggerne for trippy og operatiske. Likevel har den Woodys humor og subtilitet; ingen britisk sløvhet her. Skuespillet er førstehytte hele veien. Og det er virkelig rørende. Flytt den til toppen av listen du må se.
Livet er …
Fateless , den første viktige utgivelsen i 2006, er den selvbiografiske studien av en 14 år gammel ungarsk jødisk gutt som mirakuløst levde gjennom Hitlers dødsleirer, skrevet av Imre Kertész, som vant Nobelprisen for litteratur i 2002. Denne urovekkende filmen, av den respekterte regissøren Lajos Koltai, er verdig og seriøs og hjerteskjærende, men vanskelig å anbefale. På den ene siden forstår jeg behovet for overlevende fra Holocaust til å fortelle historiene sine i bøker og filmer. På den annen side håper jeg de ikke vil dømme oss for hardt hvis vi noen ganger ser den andre veien. Når det gjelder det svarteste kapitlet i menneskets fordervelseshistorie, er det grenser for hvor mye vi kan lese, se og tåle mens de husker.
Mr. Kertész, som skrev sin egen filmatisering, kaller seg Gyuri Köves i filmen, som begynner når farens virksomhet mislykkes, og han blir sendt til en tvangsarbeidsleir og forlater tenåringen hjemme med sin stemor. Plutselig, på en varm dag i juni 1944, blir han tvunget av en buss i Budapest og trangt inn i en vogn på vei til Auschwitz. Etter hvert som håpet tømmes fra de innsattes liv, tømmes fargen ut av filmen. I mer enn to timer følger vi den uskyldige, redde unggutten mens han blir fraktet fra en konsentrasjonsleir til en annen, mens vennene hans forsvinner og han er omgitt av fremmede. Overlevende pest, tortur, sykdom, sult og bitter kulde, gir gutten alt håp om redning, og ofrer sin ungdom for et skrot av foreldet brød eller et par sko med gjørme som siver gjennom sålene.
Fordi filmen blir fortalt gjennom øynene til en gutt som ennå ikke har gitt opp menneskeheten, har historien øyeblikk av humor og bånd. Forvirret og alene sliter han fremdeles med å finne mening i sin tragiske skjebne da han stoisk lider brutaliteten i leirlivet. Og det er mirakler: På vei til krematoriet i en vogn med nakne lik, blir gutten dratt til sykehuset i Buchenwald og reddet av leger som var medfanger. På ingen tid spiller han offeret. Dessverre endte imidlertid ikke vanskelighetene da leirene ble frigjort: Å prøve å komme hjem til mursteinene som var Budapest under russerne, er like skremmende. Tilbake i ruinene blir Gyuri tvunget til å trekke på minnet om små bevegelser fra menneskeheten for å være sunn, men til slutt blir vi tårer av det ensomme ansiktet og klare sinnet til et barn hvis hjerte er like rent - og som kaldt - som snø.
Marcell Nagys opptreden i den sentrale rollen er hjemsøkende. Gledelig i begynnelsen, og deretter modnes til forbløffende fremmedgjøring i etterkrigssamfunnet i sin ungdom, er den unge skuespillerens transformasjon dyp. Herr Kertész's manus gir et nyansert, originalt og dypt filosofisk inntrykk på okkupasjonstidens Europa som setter Fateless bortsett fra andre Holocaust-dramaer. De viltvoksende temaene og rollebesetningen på hundrevis gjør den til den dyreste filmen som noen gang er laget i Ungarn, og den er nominert til årets Oscar for beste utenlandsspråklige film. Men regissør Koltai gjengir fagmessig de private, intime detaljene som gjør historien så ødeleggende med en atmosfærisk bruk av farger og belysning som rettferdiggjør hans rykte som en verdensberømt filmfotograf. (Hans siste film var overdådig Å være Julia , som gir bevis på hans allsidighet.) Mer enn bare en Holocaust-memoar, Fateless er noe spesielt: et uforglemmelig portrett av sorg og håp, tap og transcendens.
