Mike Newells Mona Lisa Smile, fra et manus av Lawrence Konner og Mark Rosenthal, hadde angivelig som sin opprinnelse en tidsskriftartikkel om Hillary Rodham Clintons år på Wellesley College på 1960-tallet. Manusforfatterne bestemte seg for å gå tilbake et tiår og sette filmen i løpet av de mye dårlige 1950-årene, Eisenhower-tiden - en tid da kvinner fremdeles ble formet til å bli lykkelige husmødre og glemme at de med evne (og lønnsomt) hadde utført herrejobber i løpet av Andre verdenskrig. Det kan hende noen mennesker er rart at to mannlige manusforfattere og en mannlig regissør har samarbeidet om å lage en av de sterkeste feministiske uttalelsene som dukker opp på skjermen i år. Selvfølgelig er det fortiden som blir ødelagt, og ikke alltid rettferdig og nøyaktig, for eksempel i sluttkredittvisningene til noen av de kjipteste reklamene for lykkelig husmann i perioden, sammen med noen bilder av fru America-konkurranser.
Det skal bemerkes at kandidater fra Wellesley for det meste har vært en elitegruppe av unge kvinner med flere muligheter enn de fleste av sine kolleger i ydmyke forhold. Så igjen klarte flere familier å leve av en lønn på 1950-tallet enn i dag; nå kommer mange kvinner inn på arbeidsplassen, ikke så mye av politisk ønske som av ren økonomisk nødvendighet. Dette er den skitne lille hemmeligheten til den antatt blomstrende amerikanske økonomien: De fleste middelklassearbeidere får ikke betalt nok for å forsørge familiene på den måten som media har gjort dem vant til.
Etter å ha gitt ut denne innledende ansvarsfraskrivelsen, må jeg si at jeg likte Mona Lisa Smile enormt, i stor grad på grunn av den store virtuositeten til den stort sett kvinnelige rollebesetningen, strandet av en eller annen infernal tidsmaskin i en periode da menn ble forventet å lede på dansegulvet. og overalt ellers. Wellesleys nåværende administrasjon samarbeidet fullt ut med produsentene, og hvorfor ikke? Det er ingen moderne institusjonell vanære ved å innrømme det faktum at for et halvt århundre siden, ifølge Mr. Konner, gjorde de fransk litteratur om morgenen, og hvordan man serverer te til mannens sjef om ettermiddagen. Denne satiriske godbiten vitner bare om fremgangen i kvinnens utdanning siden den gang.
Filmen ber oss anta at Katherine Watson (Julia Roberts), en opplysningsutsending fra den avanserte sivilisasjonen i California, kommer inn i denne gryten av konformitet, hvor hun studerte kunsthistorie ved U.C. Berkeley. Mr. Konner forklarer: Så nylig som for 50 år siden var New England fortsatt en forlengelse av den gamle verden, mens California virkelig var den nye verden. Så vi trodde at det ville være det perfekte stedet for Katherine å ha vokst opp, både når det gjelder mindre stive klasseskiller og mer tillatende sosiale holdninger.
Tilbake i de virkelige 50-årene innså ikke dette provinsen i den ytre bydelen at California av Nixons og Knowlands var så mye mer kulturelt avansert enn New England of the Kennedys and the Lodges. Også arbeidet jeg under illusjonen om at Jackson Pollocks handlingsmalerier, som så dypt bekymret Wellesleys forvaltere i filmen, var mer hjemme i nærliggende Manhattan enn i det fjerne Los Angeles. Men å gi alle filmens geografiske og kulturelle forutsetninger, og til og med kjøpe seg inn i alle retorikken om at unge kvinner har muligheter i tillegg til tidlig ekteskap - og til og med muligheten for karriereopplegg til tidlig ekteskap - jeg kunne ikke la være å føle at filmen var litt selvtilfreds. ved å antyde at folk var så dumme den gang i forhold til hvor kloke de er nå. I dag er det store problemet ikke så mye om unge kvinner har et valg, men om de med rimelighet kan forvente å ha alt. Og noen ting har ikke endret seg mye - for eksempel, kvinner i Amerika bruker fremdeles kirurgiske prosedyrer for å redusere størrelsen på føttene for menneskejakt. Nyanser av gamle Kina!
Katherine selv er en av karakterene som er fanget i den bråksagen av samfunnets konvensjonelle forventninger. Hun har vært forlovet og til og med hatt saker, men hun har alltid nølt med å ta det siste trinnet, selv med en forlovelsesring på fingeren. Derfor nærmer hun seg sine mest eksklusive studenter i en tilstand av middelklassesårbarhet. Katrins første klasse er en pinlig fiasko da studentene hennes rasler av navnene på malerier som er lurt utenat fra skolens tradisjonelle leksjonsplan. (Katherine selv har aldri vært i Europa for å se mange kunstmesterverk hun lærer fra lysbilder og bildebøker på førstehånd.)
Hennes viktigste nemesis er Betty Warren (Kirsten Dunst), den godt tilkoblede redaktøren for skoleavisen, som bestiller et ondskapsfullt forsideangrep på Amanda Armstrong (Juliet Stevenson), en progressiv sykepleier med sotto voce lesbiske tilbøyeligheter, for å utstede prevensjonsmidler til antagelig promiskuøse studenter. Betty får Amanda sparken og advarer den nye professoren om at hennes praktiske forvaltermor kan gjøre like mye mot henne hvis hun tør å gi Betty en dårlig karakter. De andre store studentkarakterene er Joan Brandwyn (Julia Stiles), Katrins lyseste student; Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), den trassende fakultetssengjenta på campus; og Connie Baker (Ginnifer Goodwin), det usikre medlemskapet i gruppen. De unge kvinnene knytter seg alle til den opprørende bitchy Betty for å danne skolens indre sirkel, som i utgangspunktet virker usannsynlig.
Men gradvis blir Betty, som hyser under morens dominans, presset inn i et skoleavslutningsekteskap med en troløs ektemann, som hun til slutt skiller seg - til morens forferdelse - og deretter løper hun til Greenwich Village, hvor hun deler en leilighet med Giselle . Joan søker på sin side til Yale Law School på Katherine's forslag; hun er akseptert, men nekter å delta når hun også gifter seg tidlig etter mannen sin til University of Pennsylvania, hvor han er tatt opp for å studere jus. Katherine er skuffet over Joans beslutning, men Joan minner den idealistiske professoren om at hun må respektere andres valg hvis hun vil være fri til å lage sitt eget. Katherine fortsetter å følge sine egne regler ved å forlate to mannlige elskere og Wellesley College selv, etter at forvalterne pålegger byrdefulle betingelser for en fornyelse av kontrakten. Hun legger i stedet ut på en tur til Europa, der hun antagelig vil prøve å finne seg selv.
En spesielt forsiktig skikkelse i denne feministiske moralfortellingen er det undertrykte og frustrerte Nancy Abbey (Marcia Gay Harden), som instruerer jentene i tale, elokusjon, posisjon og hjemmelaget. Ms Abbey bærer byrden av periodens opplevde absurditeter når hun nesten bokstavelig visner på vintreet.
Moan Lisa Smile er i alle henseender en midtre panneskatt, og jeg må innrømme at jeg var altfor lettet over at ingen av de unge karakterene opplevde graviditet eller selvmord som straffeslag av melodrama. Skoleåret deres på Wellesley var fylt nok.
Jenter i perler
Peter Webbers Girl With a Pearl Earring ser ut til å ha blitt laget for å appellere til seere som mener at et prestisjefylt maleri er uendelig viktigere enn en ren film som feirer dette maleriets opphøyde eksistens. Følgelig har en førsteklasses rollebesetning en tendens til å bli nedsenket i et malerkosmos som fokuserer på den banebrytende domesticiteten til Vermeers kunstneriske visjon. Colin Firth som Johannes Vermeer og Scarlett Johansson som hans hushjelp, modell og muse, Griet (gjenstand for det erotisk unnvikende maleriet), blir dempet figurer i det flamske landskapet. Den dempede lidelsen i Vermeers husstand domineres av hans kommersielt dystre svigermor, Maria Thins (Judy Parfitt), og bedeviled av sin mentalt ustabile og ofte gravide kone, Catharina (Essie Davis). Legg til blandingen malerenes rike og slemme beskytter, van Ruijven (Tom Wilkinson).
For sin del har Griet hendene fulle for å avverge Catharinas misunnelige raserier, van Ruijvens utforskende famler og Vermeer's gjennomborende øyne, som ser ut til å tilby en kreativ vurdering av hennes indre vesen. Griet finner til og med tid til å svare foreløpig på den hederlige slaktergutten Pieter (Cillian Murphy). Dessverre bryter fru Johansson aldri ut av skallet i denne rollen, da hun gjorde det minneverdig i Sofia Coppolas Lost in Translation. Filmen er den fattigste for den, Vermeer eller ingen Vermeer.
For 3-D, slå M
I anledning 50-årsjubileet blir Alfred Hitchcocks Dial M for Murder (1954) gjenopplivet i sitt opprinnelige 3-D-format på Film Forum 2. til 8. januar (209 West Houston Street; 212-727-8110). Da jeg endelig så 3-D-versjonen tilbake på 60-tallet (mer enn et tiår etter at jeg hadde sett standard 2-D-format), la jeg merke til i Village Voice-kolonnen min at i 2-D er Dial M mindre Hitchcock; i 3-D er det stor Hitchcock. Den ekstra dimensjonen utnyttet filmens begrensninger av et begrenset synsfelt og et overfylt scenografi ved å gi gjenstandene flytende i 3-Ds ellers tomme rom med en illevarslende autonomi.
I dette ryddige og tettsittende skuespillet spiller Grace Kelly Hitchcocks kjente blonde dame i nød; Ray Milland, den suave og karismatiske skurken; Robert Cummings, en humrende ekteskapsbryter, ble ridderforsvarer; Anthony Dawson, en morsomt manipulert opportunist redusert til en mislykket hitmann; og John Williams, en fantastisk droll Scotland Yard-inspektør som stjeler showet akkurat når alt virker tapt. Det hele er veldig gøy gjennom magien til Hitchs ultrafunksjonelle mise-en-scene.
Judy’s Back!
Judy Garland (1922-1969) er gjenstand for en glitrende ni-film-vekkelse på American Museum of the Moving Image (35th Avenue og 36th Street, Astoria, 718-784-4520), og det er vel verdt et besøk for å se henne på toppen, mer eller mindre, av hennes imponerende og nå hjemsøkende talent. Mitt eget favoritt Garland-kjøretøy er Vincente Minnelli’s Meet Me in St. Louis (1944) (27. og 28. desember og 1. januar). Jeg foretrekker mye St. Louis fremfor det enormt og nesten universelt overvurderte The Wizard of Oz (1939), regissert av Victor Fleming (20., 21., 26. og 31. desember). Jeg foretrekker faktisk alle andre Garland-oppføringer i denne serien fremfor Oz, inkludert en til fra Minnelli, The Clock (1945) (28. des.), Og Busby Berkeley's Babes in Arms, (1939) (20. og 29. desember) og Strike. Up the Band (1940) (21. og 30. desember). George Cukors A Star Is Born (1954) (3. og 4. januar) og Charles Walters ’Easter Parade (1948) (3. januar) gjorde også kuttet.
Garlands mannlige konsorter i serien inkluderer Fred Astaire, Gene Kelly, James Mason, Robert Walker og Mickey Rooney - ikke akkurat hakket lever selv - for ikke å nevne periodesangsmeder som Harold Arlen og E.Y. Harburg, Irving Berlin, Hugh Martin og Ralph Blane, Richard Rodgers og Lorenz Hart. Ikke en hiphop-virtuos blant dem!
Clarion Call
Ellen Drew (1915-2003) gikk nylig bort uten mye fanfare. Drew kom sammen i en tid da hennes merke med sunn utseende var en krone et dusin på 1930-tallet Hollywood kjøttkvern. Ikke overraskende ble hun raskt sendt til stereotype solfylte deler. Kanskje det eneste skinnende øyeblikket i Drews 21-årige 40-filmkarriere var et nærbilde som ville gjort Norma Desmond grønn av misunnelse. Det forekommer i Preston Sturges 'skru-ball kontor-og-nabolag, filler-til-rikdom-komedie, jul i juli (1940). Dick Powell spiller Drews ambisiøse sap av en kjæreste, som feilaktig tror at han har vunnet en radiokonkurranse med kaffeslagord med den strålende aforismen. Hvis du ikke kan sove, er det ikke kaffen, det er køya. Publikum vet allerede at han er offer for en praktisk vits utført av en trio med kontorpranksters. Men sjefen hans blir også lurt, og helten vår blir forfremmet til frontkontoret. Når hoax blir oppdaget og sjefen er i ferd med å trekke kampanjen, går den stakkars luggens kjæreste (Drew), som har hengt søtt på armen hans gjennom filmen, plutselig frem og gobler opp hele skjermen og gir en lidenskapelig bønn for kjæresten hennes og alle de unge mennene som aldri får en sjanse til og med å mislykkes i deres søken etter den store prisen. Drews følelsesmessige utbrudd er en bedøvelse i sammenheng med denne vittige, men sprø farsen, og den gjenklang fremdeles på skjermen 63 år senere - en proletarisk oppfordring til Amerika om å leve opp til sin fakturering som mulighetenes land. Takk, Ellen Drew.
