En minimalistisk, men skremmende finale til ‘Don Giovanni’Richard Termine En pågående kontrovers i operaproduksjonen i dag er spørsmålet om skaperens intensjoner, det vil si hvordan en komponist kunne ha forventet at hans verk skulle se ut og lyde på scenen.
Hvilken stemmetype hadde Bizet for eksempel tittelen på Carmen , en sopran eller en mezzo? Hvor mye improvisasjon på de skrevne notatene ville Bellini ha forventet i sin Regel ? Og ville Wagner ha gjenkjent sin Parsifal satt under en motorveiovergang i det postapokalyptiske Amerika?
Det faktum at disse debattene i stor grad er basert på gjetning, skremmer ikke motspillerne. Faktisk er det til og med en Facebook-gruppe som motarbeider såkalte moderne operaproduksjoner, og naturlig nok en annen gruppe for. Et emne blir imidlertid ikke så ofte tatt opp: den faktiske størrelsen på teatret der operaen utføres.
Metropolitan Opera, med sine omtrent 3800 seter, er for eksempel et langt større rom enn de stedene de største operakomponistene ville ha sett for seg. Og likevel fremfører Met verk som Mozarts Don Giovanni , et intimt stykke, som hadde premiere i 1787 på Praha's Estates Theatre med en kapasitet på rundt 650 - omtrent den av New Yorks minste Broadway-hus.
Så sjansen til å se Don Giovanni i et teater nærmere eiendommens størrelse gir ikke bare ekthet, men som forrige ukes Mostly Mozarts presentasjon av operaen avslørte, kan det være åpenbarende. Dirigert og regissert av Iván Fischer, oppnådde denne produksjonen i Rose Theatre at Jazz at Lincoln Center (kapasitet på 1100) en enkel, storhusfølelse som Mozart-operaer nesten aldri oppnår.
Det visuelle elementet i denne produksjonen var selve enkelheten: et tomrom av sorte gardiner omgitt et par sceneplattformer. Inne i dette nøytrale rommet foreslo et korps med sangere og dansere som var laget i marmorhvitt både arkitektur og bakgrunnsstatister. I et spesielt sjarmerende øyeblikk sto et virvar av sozzled bondepiker elegant og ordnet seg i et lysthus som den nervøse bruden Zerlina kunne gjemme seg bak.
Naturligvis falt fokuset på solosangerne, som for det meste ga sensitive, detaljerte forestillinger. Finest av alt var Christopher Maltman, hans skarpe lyriske baryton som høres både kommanderende og mercurial ut, et perfekt match for hans slanke sceneshandling. Som den krenkede Donna Anna kan sopranen Laura Aikin ha manglet det ultimate innen stålmakt, men befalte å finne virtuositet for den djevelsk vanskelige arien Non mi dir i andre akt.
Hvis de resterende sangerne ikke akkurat var stjerneklar, dannet de et stramt, energisk ensemble. Og mens spillingen av Budapest Festival Orchestra ikke var bokstavelig talt det Mozart ville ha ønsket - komponisten fra 1700-tallet ville helt sikkert ha løftet et øyenbryn mot strengenees moderne vibrato - tror jeg han ville ha ledd av glede over gruppens upåklagelige angrep og søte tone.
